Японские гравюры с бамбуком

ЖИВОПИСЬ БАМБУКА — почему она особенная?

Бамбук — одна из любимейших и самых главных тем в китайском искусстве — от литературы до живописи. Почему?

В Китае бамбук – символ истинно благородного человека, который, сгибаясь от жизненных невзгод, всегда находит в себе силы подняться и который мудрость жизни впитывает как бамбук влагу. Внутренняя область бамбука – стебель символизирует пустоту, которая должна быть создана в уме перед созданием новых идей.

Возникновение монохромной живописи бамбука тушью легенда объясняет случайностью: одна знатная дама по имени Ли в лунную ночь увидела тень от бамбука на створке окна. Она была поражена тем, что тень выражает сущность бамбука в большей степени, чем живой, зеленый бамбук.

В Сунское время (X-XIII вв.) Монохромная живопись бамбука стала привилегией избранного круга художников-поэтов и каллиграфов, после чего заняла принципиально важное место в китайской живописи на протяжении всех последующих исторических эпох.

Живописная техника этого жанра разработана до мельчайших деталей в специальных трактатах. Это – эссе «Гибкий бамбук Юньданской долины», оставленное поэтом, художником, каллиграфом чайным мастером и государственным деятелем периода Сун – Су Ши (1037—1101) , «Книга живописи бамбука», «Книга о бамбуке» и «Книга об образе бамбука», составленные признанным мастером живописи бамбука Ли Каем (1245-1320) .

Чтобы писать бамбук, надо сначала создать его об раз в душе.

Только тогда берись за кисть, когда сосредоточишь все внимание.

И словно увидишь перед собой то, что хочешь изобразить.

Следуя этому образу, начинай работать кистью.

Если ты замешкаешься на мгновение – все пропадет.

Текст «Книги об образе бамбука» был почти полностью использован при написании соответствующего тематического раздела в знаменитом трактате XVIII века о китайской классической живописи «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно». Эти сочинения показывают, что образ бамбука наделялся особой благородной духовностью и рассматривался в неразрывной и почти мистической связи с внутренним миром художника. Считалось, что в акте творения самому рисунку передается не только профессиональное мастерство, но и внутренние качества личности художника – душевная чистота, благородство помыслов, тонкость интеллекта.

Обращение к «живописи бамбука» являлось свидетельством достижения вершин живописного мастерства, так как в рисунке должны были использоваться все известные каллиграфические стили.

Его ствол надлежало исполнять в стиле чжуаньшу («печатный стиль»), коленца ствола – штрихами, выполненными в стиле лишу («официальный стиль»), ветви – в скорописи цаошу, листья – в «уставном письме» кайшу .

В XV-XVII вв. для «живописи бамбука» была разработана еще более сложная графическая система, учитывающая сорта растения и варианты его изображения в зависимости от сезона, времени суток и освещенности.

Так, рисунок ствола, помимо собственно каллиграфических линий, должен был складываться из штрихов, моделирующих узлы сочленений, и сложных, соединяющихся между собой, точек-узелков, предназначенных для передачи округлости ствола и динамики роста растения.

Однако, строго разработанные приемы написания бамбука не лишают художника возможности выявить свои творческие замыслы, создать неповторимые композиции.

Бамбук пишут в ясную погоду, на ветру или в дождь, под снегом или под инеем, тем самым придавая свиткам особо эмоциональное звучание. Используя градации оттенков туши, художник может передать и нежную трепетность молодых побегов, и сочную тяжесть зрелых ветвей, и сухость завядших листьев.

Источник

Бамбук в японской живописи

Бамбук в японской живописи

«Разве не в шорохе бамбука путь к просветлению… Догэн

В Японии, как и в большинстве других стран Восточной Азии, бамбук обычно изображали на бумаге. Как символ он несет в себе все те же значения, что и в Китае. Японское искусство в большой мере было под сильным влиянием традиционного китайского искусства на протяжении веков, и в результате, многие японские свитки с бамбуком очень похожи на Китайские.

Японская живопись тушью расцветает в периоды Муромати и Адзути-Момояма. Эпоха Адзути-Момояма положила конец феодальной раздробленности в Японии.
Тессю Токусай. Орхидеи, бамбук, шиповник и камни
После своего возвращения в Японию Токусай представил этот жанр другим монахам дзен, таким как Гёкуен Бонпо (1325–1388), еще одному знаменитому художнику.
Дзен мастера изображали сцены из повседневной жизни, птиц, вишневые ветви сакуры, дикие орхидеи, бамбук.
Начало дзен искусства Японии
Gyokuen Bompo (с 1347 -. 1420) Какэмоно: Орхидеи, бамбук, и Терн — Правая панель

Читайте также:  Что сделать с переспевшим авокадо

Бамбук был популярным темой в дзен искусстве и укиё-э в Японии, а также в различных стилях японской живописи до начала периода Эдо (1603-1868). Некоторые из самых известных японских художников, таких как Хасагава Тохаку, Кацусика Хокусай и Андо Хиросигэ создали драматические и красочные картины бамбука.

До прихода начала появления живописи укиё-э в эпоху Эдо, когда искусство стало легко доступными для обычного человека, картины в китайском стиле писали почти исключительно для японской придворной и военной элиты. Изображения бамбука были одной из наиболее распространенных тем, над которой работали художники удовлетворяя запросы элиты. Для школы Кано характерны очень яркие картины бамбука на золотом фоне.

Кано Танъю (1602—1674), Тигры в бамбуковой роще Кано Танъю. Шестой патриарх дзен в момент просветления.

Это маленькое изображение Кано Танъю, выполненное несколькими мазками светлой туши, являются реминисценцией легендарного свитка начала тринадцатого века известного китайского художника Лян Кая (ныне в Национальном музее Токио). Оно иллюстрирует притчу дзен о Хуэй-нэне (638-713), шестом патриархе дзэн (чань по-китайски), который вдруг получил просветление, когда начал рубить бамбук на дрова.

Школа Хасэгава представляла иной поход к изображению вообще и бамбука в частности. Школа основана Хасэгава Тохаку (1539-1610). Хасэгава разрабатывает свой стиль, который имел первооснову в школе Кано. Его стилю присущи большая декоративность и плоскостность по сравнению со стилем школы Кано.

Панель двери художника Хасегава Тохаку с журавлем в роще бамбука. Тохаку был известен своими росписями дверных панелей в китайском стиле, на которых часто изображались животные (особенно обезьян) в зарослях бамбука.

Хасэгава Тохаку . Журавль среди бамбука Хасэгава Тахаку. Сосна и бамбук Хасэгава Танхаку. Птицы и цветы

Огата Корин 1658, Киото — 2 июня 1716) — японский художник. Сумел разработать свой особый художественно-декоративный стиль. Основатель стиля Римпа.
Огата Корин. Бамбук и сливовое дерево.

Школа Нанга
Художники школы Нанга писали свои работы в основном тушью. В своих монохромных работах художники нанги стремились следовать принципам и эстетике китайских художников вэнжэньхуа-художников-литераторов.
Выразительна работа художника периода Эдо Гиона Нанкая (1677-1751) «Бамбук в окне в дождливый день» 「竹 窗 雨 日」 図. Гион Нанкая представитель школы нанга или иначе бундзинга, живопись литераторов.

Гион Нанкай .»Бамбук в окне в дождливый день»

Верхние две трети этого свитка занимает изображение бамбука, его листья поникли под сильным дождем. Ниже, молодые побеги бамбука против валуна своеобразной формы, точки черного мха, которые как кажется нам парят вокруг его контуров. В возрасте двадцати четырех лет, Гион Нанкая был уволен с занимаемой должности конфуцианского ученого за «расточительность». Он был восстановлен лишь десять лет спустя. Но годы, проведенные в ссылке способствовали его известности как пионера японского движения литераторов. Ясность мазка Нанкая в этой работе свидетельствует о его тщательном изучении китайских учебников живописи.

Тани Бунтё .Пейзаж и бамбук. 1804
Тани Бунтё (яп. 谷 文晁 Тани Бунтё:, также Тани Масаясу яп. 谷 正安; 1763 — 1841) — японский художник и поэт, так же представитель школы нанга.

«Воробей и бамбук» Андо Хиросигэ (1797-1858). Эта гравюра изображает воробья, символ счастья — еще один общий мотив в японском искусстве.

Воробьи в Японии вообще часто украшают многие предметы быта и искусства, причем, часто их изображают в бамбуке или с рисовыми колосьями.
Андо Хирсигэ. Воробей среди бамбука

Силуэты из бамбука также популярные изображения бамбука. Например на складных экранах Сукоши седзи . Эти экраны можно найти во многих японских домах.
«Бамбук» японского художника восемнадцатого века Кикуя Кихея.

Читайте также:  Казнь сажают на бамбук

Кикуйя Кихей. Силуэт бамбука Бамбук в четыре времени года. Тоса Мицунобу (1434-1525)

«Бамбук и Луна» Нагасава Розтса (nasagswa roztsa)(1754

1799) «Бамбук и Луна» Нагасава Розтса (nasagswa roztsa)(1754

Популярен бамбук и у представителей школы Римпа.

Сакаи Хоицу. Sakai Hoitsu.Три друга. Сосна, вишня и бамбук.
Писали о бамбуке японские поэты, вкладывая символический смысл в образ растения.
Быстротечность времени, краткость его сроков, отпущенных на любовь, например, символизировало короткое коленце бамбука.

В поле асадзи —
Мелкий в поле бамбук.
Как я не таился,
Переполнилось сердце. Зачем
Я так сильно её люблю?!

В творчестве Фудзишима Такеджи (Fujishima Takeji, 藤 島 武 二 , 1867- 1943 ) прослеживаются черты романтизма и импрессионизма и следование западному стилю в японской живописи. В последние годы он находился под влиянием стиля модерн.

Бамбук на ветру, Фудзишима Такеджи

Широ Касаматсу ( Shiro Kasamatsu). Бамбуковая роща весной. 1954

В стиле Нихонга работал мастер Коношима Ококу (Konoshima Okoku). Он изобразил зимнюю луну на фоне бамбуковой рощи.

Коношима Ококу. Зимняя луна

Туш и краски на шелке, правый экран, 167×372 см. Киотский городской художественный музей.

Коношима Ококу. Зимняя луна. Левый экран
Деириу (Deiryu 1895–1954). Бамбук. (Деталь)

Deiryu Kutsu (Kanshu Sojun) (1895-1954) Хироши. Бамбук

В двадцатом веке художники направления Шин-ханга продолжали создавать гравюры на традиционные темы. Художник Хироши
Йошида, изобразивший бамбуковую рощу (1939) относится к школе Шин Ханга.

Добавить комментарий Отменить ответ

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте как обрабатываются ваши данные комментариев.

Источник

Укиё-э — японская гравюра.

Начиная с XVIII века, в японском изобразительном искусстве появляется, а затем и широко распространяется, гравюра на дереве (ксилография). Это было городское демократичное искусство, которое отражало вкусы и духовные запросы простых людей.

Сюжеты, которые вдохновляли художников, творивших в этом направлении, получили название «укиё-э́» («картины изменчивого (повседневного) мира») . Эта категория получила развитие в японской культуре благодаря дзен-буддизму и сказалась, почти, на всех видах японского традиционного искусства (жанр укиё-дзоси в литературе , театр Кабуки, скульптура нэцке, искусство икэбаны и т.д.).

Согласно дзенской эстетике, в жизни нет ничего постоянного – всё течет, меняется и, в конечном счёте, умирает. Поэтому умение оценить красоту этого ускользающего бытия, желание насладится этим «бренным» миром, стало характерной чертой японского менталитета и темой японского искусства.

Все гравюры укиё-э объединяла общая техника их создания и ряд характерных черт, обусловливающих их самобытность и «узнаваемость»:

1. композиционная асимметрия, создающая эффект некоторой неуравновешенности и естественности;

2. плоскостное (двухмерное) изображение персонажей и предметов (объектов), наличие чёткого прорисованного контрастного контура;

3. отсутствие светотеневой моделировки;

5. пристрастие к созданию циклов или серий гравюр, посвящённых одной теме (так же как и в других видах живописи — ямато-э или суйбоку-га ).

Согласно часто встречающейся тематике, укиё-э можно условно разделить на четыре большие группы:

1. Театральные – изображения актёров классического японского театра Кабуки. Выдающимся мастером театральных сцен (по-японски их называют «якуся-э» ) был Тёсюся́й Сяра́ку (между 1763 и 1820).

Ему принадлежит серия картин с портретами актёров театра Кабуки , которые воплощают тот или иной сценический персонаж (то есть находятся в костюме и гриме героя).

Это целая галерея образов-типажей. Перед нами предстают жестокие злодеи, хитрецы, интриганы, отважные и суровые воины, благородные герои, смешные глупцы и т.п.

2. Часто актёры для гравюр позировали в образах героев-самураев. Однако для героического жанрамуся-э более характерны были изображения исторических или мифологических героев прошлого.

Художники наделяли их яростными выражениями лиц, динамичными, внушительными позами, так как если бы перед нами предстали древние боги — гневные, мускулистые, непредсказуемые и божественно прекрасные (согласно дальневосточному эталону мужественной красоты).

Такими, например, выглядят герои цикла гравюр, под названием «47 преданных самураев» Утагавы Куниёси (1798–1861).

3. Бытописательные гравюры — изображения горожан в их обычной среде за привычными повседневными делами и любимыми занятиями.

Среди таких гравюр особой популярностью у художников пользовались сюжеты, в которых главными героинями становились прекрасные женщины (не редко – куртизанки или гейши).

Читайте также:  Ваза под бамбук своими руками

Картины с изображением красавиц, назывались «бидзинга» . В них отражался национальный эталон красоты, всё то, что в представлении японцев считалось воплощением «вечной женственности».

Самыми известными мастерами таких гравюр считаются художники Судз́уки Харуно́бу (изобретатель многоцветной печатной гравюры) и Китага́ва Утама́ро (им созданы знаменитые серии картин «Прекраснейшие женщины современности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви» и др.).

Женщины на таких картинах всегда грациозны, изящны, чуть задумчивы.

Их обволакивают изыскано задрапированные национальные одежды, ниспадающие нервными, «взволнованными» складками, подчёркивающими хрупкость, нежность и гибкость прекрасных фигур.

Причёски этих дам, собранные на голове и удерживаемые многочисленными шпильками и палочками, делают их похожими на диковинные экзотические цветы.

Белоснежные, почти никогда не смеющиеся лица и тонкие руки красавиц, подобны изделиям из тончайшего фарфора.

Художники умело фиксируют определённый момент движений или поз, когда особенно отчётливо выражается состояние души, и проявляется «югэн» — «сокровенная красота», которую нужно уметь распознать.

4. Пейзажи . К началу XIX века в укиё-э прочно входит жанр пейзажа — фукэй-га . Отметим, что это был не символический (придуманный) пейзаж, как в живописи суми-э (суйбоку-га), а изображение реальных уголков природы, которые были хорошо знакомы всем японцам того времени.

Самым значительным мастером таких гравюр стал Кацуси́ка Хокуса́й , чьё имя сегодня известно во всех странах мира. Такой славой художник обязан своей серии картин, которую он создал уже на закате жизни – «36 видов Фудзи» .

Как следует из названия, «главным героем» этого цикла стала священная гора Японии, являющаяся символом этой страны – Фудзияма, воспетая японскими поэтами и живописцами множество раз.

Художник, с удивительной фантазией находит всё новые и новые ракурсы и точки обзора этой величественной горы. Он показывает её то максимально близко, то издалека,

то покрытую белоснежными снегами зимой, то окрашенную красным заревом летнего солнца,

сопоставляет её вершину с разными природными явлениями – морскими волнами, вечными соснами, рисовыми полями, крышами домов,

каждый раз по-новому раскрывая капризный характер этой «японской красавицы», восхищаясь её красотой и обаянием.

Самый известный лист этой серии носит название «Большая волна» и является безусловным шедевром мирового изобразительного искусства.

Хокусай осознавал, что эта серия является его большой удачей, и планировал дополнить её, написав 100 видов Фудзи . Однако из этого замысла смог осуществить лишь ещё 10 работ, в дополнение к уже существующим 36 видам. Сейчас эта серия состоит из 46 листов (36+10 дополнительных).

Младшим талантливым современником Хокусая, был Андо (Утагава) Хиросигэ , также работавший в жанре пейзажа (его самые известные серии гравюр: «53 станции Токайдо» и « 100 знаменитых видов Эдо». Под влиянием Хокусая создает свои «36 видом Фудзи» ).

Ему удаются удивительно смелые ракурсы, когда мы видим пейзаж (мир) так неожиданно, что иногда захватывает дух от увиденного.

Он находит такие сюжеты, где, казалось бы, мелкие детали начинают играть главную роль, при внимательном рассматривании листов.

Хиросигэ мастерски владеет цветом, делая градиентные, тонкие, плавные переходы цвета от края картины к её центру (что на гравюре технически добиться весьма не просто). Его колорит всегда очень узнаваем — насыщенный, яркий, как в иллюстрациях к мультфильмам.

Творчество Кацусика Хокусая и Андо Хиросигэ стало последним взлётом японского изобразительного искусства, после которого на долгое время наступил упадок в национальном традиционном искусстве и культуре.

Японская гравюра укиё-э оказала огромное влияние на развитие европейской живописи второй половины XIX века. Художники-постимпрессионисты (да и не только они), были зачарованы им. Они копировали японских мастеров, подражали их приёмам, перенимали темы и сюжеты. Возможно сегодня мировая живопись была бы совсем иной, если бы не японская гравюра укиё-э.

Если вам понравилась статья, то поставьте лайк и подпишитесь на канал. Здесь вы найдете и другие материалы о мировой культуре, а также о культуре средневековой Японии:

Источник

Оцените статью